什么是装饰艺术

“装饰艺术”运动（Art Deco）是在20 世纪20 到30 年代在法国、美国和英国等国家开展的一次风格非常特殊的设计运动。因为这场运动与欧洲的现代主义运动几乎同时发生与发展，因此，“装饰艺术”运动受到现代主义运动很大的影响，无论从材料的使用上，还是从设计的形式上，都可以明显看到这种影响的痕迹。但是，从思想发展的背景来看，从意识形态的角度来看，现代主义运动的民主色彩、社会主义背景，都从来没有在“装饰艺术”运动中发生过。“装饰艺术”，特别是法国的“装饰艺术”运动，在很大程度上依然是传统的设计运动，虽然在造型上、在色彩上、在装饰动机上有新的、现代的内容，但是它的服务对象依然是社会的上层，是少数的资产阶级权贵，这与强调设计民主化、强调设计的社会效应的现代主义立场是大相径庭的。因此，虽然这两场运动几乎同时发生，互相也有影响，特别是现代主义对于“装饰艺术”运动在形式上和材料上的影响，但是，它们属于两个不同的范畴，有各自的发展规律。

20 世纪初，一批艺术家和设计师敏感地了解到新时代的必然性，他们不再回避机械形式，也不回避新的材料（比如钢铁、玻璃等等）。他们认为，英国的“工艺美术”运动和产生于法国，影响到西方各国的“新艺术”运动有一个致命缺陷，就是对于现代化和工业化形式的断然否定态度。时代已经不同了，现代化和工业化形式已经无可阻挡，与其回避它，还不如适应它。而采用大量的新的装饰动机使机械形式及现代特征变得更加自然和华贵，可以作为一条新的探索途径。这种认识，普遍存在于法国、美国、英国的一些设计家之间，特别是20 年代西方的普遍繁荣，美国更是高速发展，造成新的市场，为新的设计和艺术风格提供了生存和发展的机会。这一历史条件，促使新的试验的产生，其结果便是20 世纪初的另外一场重要的设计运动―“装饰艺术”运动。

“装饰艺术”运动的名称出自1925 年在巴黎举办的一个大型展览：“装饰艺术”展览（The exposition des Arts Decoratifs）。这个展览旨在展示一种“新艺术”运动之后的建筑与装饰风格。该展览的名称，后常被用来特指一种特别的设计风格和一个特定的设计发展阶段。但是，“装饰艺术”这一术语，实际所指的并不仅是一种单纯的设计风格。和“新艺术”运动一样，它包括的范围相当广泛，从20 年代的色彩鲜艳的所谓爵士图案（Jass Patterns) ，到30 年代的流线型设计式样，从简单的英国化妆品包装到美国纽约洛克菲勒中心大厦的建筑，都可以说是属于这场运动的。它们之间虽有共性，但是个性更加强烈。因此，把“装饰艺术”单纯看作一种统一的设计风格是不恰当的。

从思想和意识形态方面来看，“装饰艺术”运动是对矫饰的“新艺术”运动的一种反动。“新艺术”强调中世纪的、哥德式的、自然风格的装饰，强调手工艺的美，否定机械化时代特征；而“装饰艺术”运动恰恰是要反对古典主义的、自然（特别是有机形态）的、单纯手工艺的趋向，主张机械化的美。因而，“装饰艺术”风格具有更加积极的时代意义。另一方面，“装饰艺术”运动开展的时期，正是现代主义开展的时期，因此，无论这场运动多么强调装饰的效果-装饰正是现代主义反对的主要设计内容之一-但是，在设计上依然受到现代主义的很大影响。无论是在材料的运用上，还是设计主题的选择上，乃至于设计本身的特点上，这两种设计运动都有不少的内在关联。以往常常把“装饰艺术”视为与现代主义对立的设计运动来看，但现在的研究表明，它们之间有着千丝万缕的联系，特别是美国的工业设计与“装饰艺术”运动，有时简直难以截然划分开来。比如美国设计家雷蒙·罗维( Raymond Loewy) 1937 年为纽约世界博览会设计的“工业设计师办、公室”，就很难说是单纯的现代主义，还是“装饰艺术”风格；法国现代主义大师勒·科布西耶（Le corbusier）在20 世纪20 年代中期设计的家具，也是两种风格兼有。这都表明：“装饰艺术”与“现代主义”之间并不完全是矛盾的关系，在形式特征上，它们有着密切而复杂的关联。

至于两者的区别，主要在于它们的产生动机和它们所代表的意识形态上。“装饰艺术”禀承了以法国为中心的欧美国家长期以来的设计传统立场：为富裕的上层阶级服务，因此它仍然是为权贵的设计，其对象是资产阶级；“现代主义”运动则强调设计为大众服务，特别是为低收入的无产阶级服务，因此它是左倾的、小知识分子理想主义的、乌托邦式的。

西方有些设计理论家把“装饰艺术”运动称为“流行的现代主义”，或者“大众化的现代主义”，原因是因为它的风格在某些方面被用来设计大众化的流行的产品，比如批量化生产的钢管家具、汽车和摩天大楼等等。这种称谓很容易造成误解，因为“装饰艺术”风格的主要服务对象依然是社会中的权贵，而并不是大众。

20 世纪60 年代以来，开始有越来越多的设计理论家把“装饰艺术”运动视为英国“工艺美术”运动和欧美的“新艺术”运动的延伸与发展。从装饰动机来看，或者从它强调的服务方向来看，这种观点当然无可厚非。但复杂性在于，这场运动主要的发展时期是第一次世界大战和第二次世界大战之间，而这也正是现代主义运动发展的主要阶段，因此，往往有混淆的情况。从名称上看，也有一定的混淆，比如在法国有人称这场运动和设计风格为“现代主义”( moderne ) ，也有人因为影响到这个风格的因素之一是美国的爵士音乐和表演，而把它称为爵士现代主义。但是，如果从意识形态的立场来看，“装饰艺术”运动强调为权贵服务的立场和现代主义运动强调为大众服务的社会主义立场之间依然是径渭分明的。

“装饰艺术”运动风格在形式上是受到以下几个非常特别的因素影响而形成：

l ）埃及等古代装饰风格的实用性借鉴

英国产生的“工艺美术”运动和源起法国的“新艺术”运动都从中世纪风格、特别是哥德风格，以及日本装饰和自然风格当中寻找形式借鉴的营养，而“装饰艺术”则从古代埃及华贵的装饰特征中寻找借鉴。以前的两个设计运动，都以有机的、平面的、和谐的色彩为中心，基本否定单纯的几何形式和所谓的机械色彩-黑白色系列。1922 年，英国考古学家豪瓦特·卡特在埃及发现一个完全没有被扰乱过的古代帝王墓-图吞哈蒙（Tutankhamun）墓，大量的出土文物展示出一个绚丽的古典艺术世界，震动了欧洲的新进设计师们。那些3 ,300 年前的古物，特别是图坦卡蒙的金面具，具有简单的几何图形，使用金属色系列和黑白色彩系列，却达到高度装饰的效果，这给予设计师们强而有力的启示。古埃及时代非常普遍的建筑装饰图案，比如盛开的纸草形式的柱头（公元前1250 年卢索宫的柱子设计）、纸草和莲花交织组成的柱头（公元前106 年菲拉克岛皇室建筑），都是简单明快的从自然抽象出来的几何图案加以变形处理，相当壮观。这些设计动机是自日本风格传入欧洲以来的又一次重要的外来影响。

2 ）原始艺术的影响

20 世纪初以来，原始艺术的影响，特别是来自非洲和南美洲的原始部落艺术对于欧洲前卫艺术界的影响是非常大的。毕加索的《亚维农的少女》 就受到非洲原始艺术的影响；挪威艺术家爱德华·蒙克则在很大程度受到南美洲的原始部落文化影响。这种影响，同样在设计界得到深刻的反映。非洲部落舞蹈面具的象征性和夸张特点，非洲雕塑特别是木雕的明快简练，给了西方的艺术家和设计师们很大的启发。

3 ）简单的几何外型

自19 世纪中期的“工艺美术”运动以来，大部分的设计探索都是从有机的自然形态中找寻装饰的动机。因此，与大工业生产联系比较密切、具有强烈时代特征的简单几何外型自然就成为20 世纪20 年代设计家们热衷研究的中心。这些几何动机，究其来源依然是古典埃及、中美洲和南美洲的古代印第安人文化（比如玛雅、阿兹台克、印加文化），常用的几何图案包括有阳光放射型（sunbursis）、闪电型（lightning zuggyrates）、曲折型、重叠箭头型（chevrons）、星星闪烁型（starbursts）、阿兹台克放射型（Aztec-shape Plinths）、埃及金字塔型等等。

4 ）舞台艺术的影响

20 世纪初期，舞蹈，特别是芭蕾舞开始出现了与传统决裂的重大改革。这种改革，在芭蕾舞重要的中心之一的俄国己经有所发展。改革的内容体现在音乐、舞蹈编导、舞台设计、服装设计等等各个方面，俄国芭蕾舞团出国演出，也就把这种改革的影响带到外国。对于西方国家来说，影响主要是20 世纪初期来自俄国芭蕾舞团（Ballets Russes）的影响。俄国芭蕾舞的改革当时并不完善，由于这个芭蕾舞团来到巴黎以后，受到西方现代艺术大改革的气氛的影响，加速了变革，而这个变革又反应回设计上，导致新的设计风格的出现。这个俄国的芭蕾舞团在其领袖迪亚基列夫的领导下，于1902 年前后来到巴黎演出，并且从此定巴黎为基地。1909年该团演出了一系列非常前卫的芭蕾舞剧，包括斯特拉文斯基的《火鸟》、《春之祭》、《彼德罗什卡》，还有《蛇舞》（La nanse du Serpent）等。这些芭蕾舞的舞台设计和服装设计都非常前卫，大量采用金属色彩和强烈的色彩计划。比如由吉色尔编导的《蛇舞》，舞台服装是由这个芭蕾舞团的服装设计师设计的，服饰紧凑贴身，古铜色，效果非常强烈。俄国芭蕾舞团的总设计师是列昂·巴克斯特（Leon Bakst) ，他的设计不但影响到各国设计师，并且导致了法国时装设计的开始：法国第一位时装设计师保罗·布瓦列特的设计就是从他的舞台设计和服装设计中得到灵感的，布瓦列特成为法国1915 年到1925 年时装设计最重要的人物。事实上，法国时装设计，特别是布瓦列特设计的个性特征，对于“装饰艺术”运动也产生了非常强烈的影响。

另外一种造成影响的舞台艺术风格是美国的爵士乐。20 年代和30 年代是美国黑人爵士音乐的高峰期，这种强烈的、节奏鲜明而特殊的美国民间音乐和它的表演方式，对于设计家来说是极为新鲜和富于感染力的。因此，它的节奏与特殊的韵律感，它的强烈的色彩，都通过设计得到一定的体现。

5 ）汽车的影响

1898 年前后，汽车被发明出来，很快成为重要的交通工具。20 世纪初期，汽车被不少前卫人士视为未来的象征，速度感即是时代感。特别是第一次世界大战之后，对干汽车的热爱在设计师当中非常流行。不少20 到30 年代的海报、广告都采用汽车大赛作为主题，色彩鲜艳，构图明快，有强烈的时代感。汽车作为20 世纪文明的新象征，启发了“装饰艺术”运动的设计师们大胆地采用现代工业文明的成果，作为自己的设计动机，在形式上和思想上都具有相当重要的启迪作用。

6 ）形成自己独特的色彩系列

“装饰艺术”具有鲜明强烈的色彩特征，与讲究典雅的以往各种设计风格的色彩计划大相径庭。在前述各种因素影响之下，形成了自己独特的色彩计划，特别重视强烈的原色和金属色彩，其中包括鲜红（brilliant reds）、鲜黄、鲜蓝( Lighting blue）、桔红和金属色系列（包括古铜、金、银等色彩）。

“装饰艺术”运动是一场国际性设计运动，不少欧美国家都卷入其中，尤以法国、英国和美国的设计成果较具代表性。它同时还影响到许多欧洲国家，从大约1910 年前后开始，一直发展到1935 年前后为止，是20 世纪延续时间比较长的一个设计运动。

"装饰艺术"运动是一场承上启下的运动，它既对"工艺美术"运动、"新艺术"运动的自然装饰、中世纪复古表示反对，而对于单调的工业化风格也加以批评。因此，虽然在装饰趋向上与前两个运动有相似之处，但是从承认工业化的角度来看，已很难说是它们的延续了；又由于强调装饰化，因此与同期开始在德国发起的现代主义也具有很大的区别。它是"新艺术"运动和现代主义运动之间的一场衔接，双方的特征都兼而有之，但却不是简单的重复或再现。"装饰艺术"的装饰特点，在20 世纪80 年代得到重新认识，并在后现代主义风格中再次受到重视。

"装饰艺术"运动发起于法国巴黎，主要集中在豪华和奢侈的产品与艺术品设计上，比如家具、纺织品、金属制品、玻璃器皿、陶瓷、装饰雕塑、绘画、平面设计与海报、首饰设计等等。

而当这种风格传入美国后，却比较多地应用在建筑设计、室内设计等规模比较宏大的公众性质的项目上。从纽约开始，逐步波及中西部和西海岸地区，对20 和30 年代的美国设计产生了巨大的影响，涵盖了汽车设计、工业产品设计、平面设计、舞台设计、**设计等各个设计领域。

"装饰艺术"运动在欧洲其它国家的发展则比较微弱，并且也没有能够产生它在法国和美国那样全面的影响力。由于"装饰艺术"风格因国而异，因此，必须对各个国家的运动发展状况和风格分布进行介绍，才能对它有一个总体的认识。下面就对卷入过这场设计运动的各国进行具体阐述。

小结

“装饰艺术”运动在20 世纪20 年代兴起，到30 年代成为一个国际性的流行设计风格，影响到建筑设计、室内设计、家具设计、工业产品设计、平面设计、纺织品设计和服装设计等等几乎设计的各个方面，是本世纪非常重要的一次设计运动。虽然主要的发展国家只是法国、美国和英国，但是这种风格却成为世界流行风格，甚至到远在东方的上海都可以找到“装饰艺术”风格的建筑和室内设计，可见其流行的广度。相比之下，“新艺术”运动虽然也遍及欧美，但是从影响的范围来看，地区性非常强，并且在很大程度上只是设计界的探索，很难成为一个比较统一的流行风格。可见，对“装饰艺术”风格的研究有特别重要的意义。

“装饰艺术”风格之所以如此普及，原因之一是因为它本身的折衷立场为大批量生产提供了可能性。“新艺术”运动没有可能广泛普及，也正因为它的曲线、非几何形态造成了只能手工生产，不能大批量机械生产的状况。20 世纪开始，人们己经注意到，如果希望某种风格能够得到普及，成为流行风格，批量生产的考虑是不能忽视的一个重要因素。

“装饰艺术”运动是装饰运动在20 世纪初的最后一次尝试，它采用手工艺和工业化的双重特点，采取设计上的折衷主义立场，设法把豪华的、奢侈的手工艺制作和代表未来的工业化特征合二为一，产生一种可以发展的新风格来。这场运动与世界的现代主义设计运动几乎是同时发生，也几乎同时于30 年代后期在欧洲大陆结束，因而，在各个方面都受到现代主义的明显影响。但是，由于它主要强调为上层顾客服务的出发点，使得它与现代主义具有完全不同的意识形态立场，也正因为如此，所以“装饰艺术”运动没有能够在第二次世界大战之后再次得到发展，而基本成为史迹，只有现代主义成为真正的世界性设计运动。

“装饰艺术”运动在装饰和设计手法上为我们提供了大量可资参考的重要资料，从材料的运用，到装饰的动机，直到产品的表面处理技术，无论哪一个方面，这个风格都有不少可以借鉴和学习的地方，它的东方和西方结合、人情化与机械化的结合的尝试，更是80 年代的后现代主义时期重要的研究中心。从形式上看，20 、30 年代的这个设计运动的风格与80 年代的后现代主义风格有千丝万缕的联系，从意识形态方面来说，也有类似的地方。因而，对于它的了解和研究，就更具有重要意义了。

“装饰艺术”运动（Art Deco）是在20 世纪20 到30 年代在法国、美国和英国等国家开展的一次风格非常特殊的设计运动。因为这场运动与欧洲的现代主义运动几乎同时发生与发展，因此，“装饰艺术”运动受到现代主义运动很大的影响，无论从材料的使用上，还是从设计的形式上，都可以明显看到这种影响的痕迹。但是，从思想发展的背景来看，从意识形态的角度来看，现代主义运动的民主色彩、社会主义背景，都从来没有在“装饰艺术”运动中发生过。“装饰艺术”，特别是法国的“装饰艺术”运动，在很大程度上依然是传统的设计运动，虽然在造型上、在色彩上、在装饰动机上有新的、现代的内容，但是它的服务对象依然是社会的上层，是少数的资产阶级权贵，这与强调设计民主化、强调设计的社会效应的现代主义立场是大相径庭的。因此，虽然这两场运动几乎同时发生，互相也有影响，特别是现代主义对于“装饰艺术”运动在形式上和材料上的影响，但是，它们属于两个不同的范畴，有各自的发展规律。

20 世纪初，一批艺术家和设计师敏感地了解到新时代的必然性，他们不再回避机械形式，也不回避新的材料（比如钢铁、玻璃等等）。他们认为，英国的“工艺美术”运动和产生于法国，影响到西方各国的“新艺术”运动有一个致命缺陷，就是对于现代化和工业化形式的断然否定态度。时代已经不同了，现代化和工业化形式已经无可阻挡，与其回避它，还不如适应它。而采用大量的新的装饰动机使机械形式及现代特征变得更加自然和华贵，可以作为一条新的探索途径。这种认识，普遍存在于法国、美国、英国的一些设计家之间，特别是20 年代西方的普遍繁荣，美国更是高速发展，造成新的市场，为新的设计和艺术风格提供了生存和发展的机会。这一历史条件，促使新的试验的产生，其结果便是20 世纪初的另外一场重要的设计运动―“装饰艺术”运动。

“装饰艺术”运动的名称出自1925 年在巴黎举办的一个大型展览：“装饰艺术”展览（The exposition des Arts Decoratifs）。这个展览旨在展示一种“新艺术”运动之后的建筑与装饰风格。该展览的名称，后常被用来特指一种特别的设计风格和一个特定的设计发展阶段。但是，“装饰艺术”这一术语，实际所指的并不仅是一种单纯的设计风格。和“新艺术”运动一样，它包括的范围相当广泛，从20 年代的色彩鲜艳的所谓爵士图案（Jass Patterns) ，到30 年代的流线型设计式样，从简单的英国化妆品包装到美国纽约洛克菲勒中心大厦的建筑，都可以说是属于这场运动的。它们之间虽有共性，但是个性更加强烈。因此，把“装饰艺术”单纯看作一种统一的设计风格是不恰当的。

从思想和意识形态方面来看，“装饰艺术”运动是对矫饰的“新艺术”运动的一种反动。“新艺术”强调中世纪的、哥德式的、自然风格的装饰，强调手工艺的美，否定机械化时代特征；而“装饰艺术”运动恰恰是要反对古典主义的、自然（特别是有机形态）的、单纯手工艺的趋向，主张机械化的美。因而，“装饰艺术”风格具有更加积极的时代意义。另一方面，“装饰艺术”运动开展的时期，正是现代主义开展的时期，因此，无论这场运动多么强调装饰的效果-装饰正是现代主义反对的主要设计内容之一-但是，在设计上依然受到现代主义的很大影响。无论是在材料的运用上，还是设计主题的选择上，乃至于设计本身的特点上，这两种设计运动都有不少的内在关联。以往常常把“装饰艺术”视为与现代主义对立的设计运动来看，但现在的研究表明，它们之间有着千丝万缕的联系，特别是美国的工业设计与“装饰艺术”运动，有时简直难以截然划分开来。比如美国设计家雷蒙·罗维( Raymond Loewy) 1937 年为纽约世界博览会设计的“工业设计师办、公室”，就很难说是单纯的现代主义，还是“装饰艺术”风格；法国现代主义大师勒·科布西耶（Le corbusier）在20 世纪20 年代中期设计的家具，也是两种风格兼有。这都表明：“装饰艺术”与“现代主义”之间并不完全是矛盾的关系，在形式特征上，它们有着密切而复杂的关联。

至于两者的区别，主要在于它们的产生动机和它们所代表的意识形态上。“装饰艺术”禀承了以法国为中心的欧美国家长期以来的设计传统立场：为富裕的上层阶级服务，因此它仍然是为权贵的设计，其对象是资产阶级；“现代主义”运动则强调设计为大众服务，特别是为低收入的无产阶级服务，因此它是左倾的、小知识分子理想主义的、乌托邦式的。

西方有些设计理论家把“装饰艺术”运动称为“流行的现代主义”，或者“大众化的现代主义”，原因是因为它的风格在某些方面被用来设计大众化的流行的产品，比如批量化生产的钢管家具、汽车和摩天大楼等等。这种称谓很容易造成误解，因为“装饰艺术”风格的主要服务对象依然是社会中的权贵，而并不是大众。

20 世纪60 年代以来，开始有越来越多的设计理论家把“装饰艺术”运动视为英国“工艺美术”运动和欧美的“新艺术”运动的延伸与发展。从装饰动机来看，或者从它强调的服务方向来看，这种观点当然无可厚非。但复杂性在于，这场运动主要的发展时期是第一次世界大战和第二次世界大战之间，而这也正是现代主义运动发展的主要阶段，因此，往往有混淆的情况。从名称上看，也有一定的混淆，比如在法国有人称这场运动和设计风格为“现代主义”( moderne ) ，也有人因为影响到这个风格的因素之一是美国的爵士音乐和表演，而把它称为爵士现代主义。但是，如果从意识形态的立场来看，“装饰艺术”运动强调为权贵服务的立场和现代主义运动强调为大众服务的社会主义立场之间依然是径渭分明的。

“装饰艺术”运动风格在形式上是受到以下几个非常特别的因素影响而形成：

l ）埃及等古代装饰风格的实用性借鉴

英国产生的“工艺美术”运动和源起法国的“新艺术”运动都从中世纪风格、特别是哥德风格，以及日本装饰和自然风格当中寻找形式借鉴的营养，而“装饰艺术”则从古代埃及华贵的装饰特征中寻找借鉴。以前的两个设计运动，都以有机的、平面的、和谐的色彩为中心，基本否定单纯的几何形式和所谓的机械色彩-黑白色系列。1922 年，英国考古学家豪瓦特·卡特在埃及发现一个完全没有被扰乱过的古代帝王墓-图吞哈蒙（Tutankhamun）墓，大量的出土文物展示出一个绚丽的古典艺术世界，震动了欧洲的新进设计师们。那些3 ,300 年前的古物，特别是图坦卡蒙的金面具，具有简单的几何图形，使用金属色系列和黑白色彩系列，却达到高度装饰的效果，这给予设计师们强而有力的启示。古埃及时代非常普遍的建筑装饰图案，比如盛开的纸草形式的柱头（公元前1250 年卢索宫的柱子设计）、纸草和莲花交织组成的柱头（公元前106 年菲拉克岛皇室建筑），都是简单明快的从自然抽象出来的几何图案加以变形处理，相当壮观。这些设计动机是自日本风格传入欧洲以来的又一次重要的外来影响。

2 ）原始艺术的影响

20 世纪初以来，原始艺术的影响，特别是来自非洲和南美洲的原始部落艺术对于欧洲前卫艺术界的影响是非常大的。毕加索的《亚维农的少女》 就受到非洲原始艺术的影响；挪威艺术家爱德华·蒙克则在很大程度受到南美洲的原始部落文化影响。这种影响，同样在设计界得到深刻的反映。非洲部落舞蹈面具的象征性和夸张特点，非洲雕塑特别是木雕的明快简练，给了西方的艺术家和设计师们很大的启发。

3 ）简单的几何外型

自19 世纪中期的“工艺美术”运动以来，大部分的设计探索都是从有机的自然形态中找寻装饰的动机。因此，与大工业生产联系比较密切、具有强烈时代特征的简单几何外型自然就成为20 世纪20 年代设计家们热衷研究的中心。这些几何动机，究其来源依然是古典埃及、中美洲和南美洲的古代印第安人文化（比如玛雅、阿兹台克、印加文化），常用的几何图案包括有阳光放射型（sunbursis）、闪电型（lightning zuggyrates）、曲折型、重叠箭头型（chevrons）、星星闪烁型（starbursts）、阿兹台克放射型（Aztec-shape Plinths）、埃及金字塔型等等。

4 ）舞台艺术的影响

20 世纪初期，舞蹈，特别是芭蕾舞开始出现了与传统决裂的重大改革。这种改革，在芭蕾舞重要的中心之一的俄国己经有所发展。改革的内容体现在音乐、舞蹈编导、舞台设计、服装设计等等各个方面，俄国芭蕾舞团出国演出，也就把这种改革的影响带到外国。对于西方国家来说，影响主要是20 世纪初期来自俄国芭蕾舞团（Ballets Russes）的影响。俄国芭蕾舞的改革当时并不完善，由于这个芭蕾舞团来到巴黎以后，受到西方现代艺术大改革的气氛的影响，加速了变革，而这个变革又反应回设计上，导致新的设计风格的出现。这个俄国的芭蕾舞团在其领袖迪亚基列夫的领导下，于1902 年前后来到巴黎演出，并且从此定巴黎为基地。1909年该团演出了一系列非常前卫的芭蕾舞剧，包括斯特拉文斯基的《火鸟》、《春之祭》、《彼德罗什卡》，还有《蛇舞》（La nanse du Serpent）等。这些芭蕾舞的舞台设计和服装设计都非常前卫，大量采用金属色彩和强烈的色彩计划。比如由吉色尔编导的《蛇舞》，舞台服装是由这个芭蕾舞团的服装设计师设计的，服饰紧凑贴身，古铜色，效果非常强烈。俄国芭蕾舞团的总设计师是列昂·巴克斯特（Leon Bakst) ，他的设计不但影响到各国设计师，并且导致了法国时装设计的开始：法国第一位时装设计师保罗·布瓦列特的设计就是从他的舞台设计和服装设计中得到灵感的，布瓦列特成为法国1915 年到1925 年时装设计最重要的人物。事实上，法国时装设计，特别是布瓦列特设计的个性特征，对于“装饰艺术”运动也产生了非常强烈的影响。

另外一种造成影响的舞台艺术风格是美国的爵士乐。20 年代和30 年代是美国黑人爵士音乐的高峰期，这种强烈的、节奏鲜明而特殊的美国民间音乐和它的表演方式，对于设计家来说是极为新鲜和富于感染力的。因此，它的节奏与特殊的韵律感，它的强烈的色彩，都通过设计得到一定的体现。

5 ）汽车的影响

1898 年前后，汽车被发明出来，很快成为重要的交通工具。20 世纪初期，汽车被不少前卫人士视为未来的象征，速度感即是时代感。特别是第一次世界大战之后，对干汽车的热爱在设计师当中非常流行。不少20 到30 年代的海报、广告都采用汽车大赛作为主题，色彩鲜艳，构图明快，有强烈的时代感。汽车作为20 世纪文明的新象征，启发了“装饰艺术”运动的设计师们大胆地采用现代工业文明的成果，作为自己的设计动机，在形式上和思想上都具有相当重要的启迪作用。

6 ）形成自己独特的色彩系列

“装饰艺术”具有鲜明强烈的色彩特征，与讲究典雅的以往各种设计风格的色彩计划大相径庭。在前述各种因素影响之下，形成了自己独特的色彩计划，特别重视强烈的原色和金属色彩，其中包括鲜红（brilliant reds）、鲜黄、鲜蓝( Lighting blue）、桔红和金属色系列（包括古铜、金、银等色彩）。

“装饰艺术”运动是一场国际性设计运动，不少欧美国家都卷入其中，尤以法国、英国和美国的设计成果较具代表性。它同时还影响到许多欧洲国家，从大约1910 年前后开始，一直发展到1935 年前后为止，是20 世纪延续时间比较长的一个设计运动。

"装饰艺术"运动是一场承上启下的运动，它既对"工艺美术"运动、"新艺术"运动的自然装饰、中世纪复古表示反对，而对于单调的工业化风格也加以批评。因此，虽然在装饰趋向上与前两个运动有相似之处，但是从承认工业化的角度来看，已很难说是它们的延续了；又由于强调装饰化，因此与同期开始在德国发起的现代主义也具有很大的区别。它是"新艺术"运动和现代主义运动之间的一场衔接，双方的特征都兼而有之，但却不是简单的重复或再现。"装饰艺术"的装饰特点，在20 世纪80 年代得到重新认识，并在后现代主义风格中再次受到重视。

"装饰艺术"运动发起于法国巴黎，主要集中在豪华和奢侈的产品与艺术品设计上，比如家具、纺织品、金属制品、玻璃器皿、陶瓷、装饰雕塑、绘画、平面设计与海报、首饰设计等等。

而当这种风格传入美国后，却比较多地应用在建筑设计、室内设计等规模比较宏大的公众性质的项目上。从纽约开始，逐步波及中西部和西海岸地区，对20 和30 年代的美国设计产生了巨大的影响，涵盖了汽车设计、工业产品设计、平面设计、舞台设计、**设计等各个设计领域。

"装饰艺术"运动在欧洲其它国家的发展则比较微弱，并且也没有能够产生它在法国和美国那样全面的影响力。由于"装饰艺术"风格因国而异，因此，必须对各个国家的运动发展状况和风格分布进行介绍，才能对它有一个总体的认识。下面就对卷入过这场设计运动的各国进行具体阐述。

小结

“装饰艺术”运动在20 世纪20 年代兴起，到30 年代成为一个国际性的流行设计风格，影响到建筑设计、室内设计、家具设计、工业产品设计、平面设计、纺织品设计和服装设计等等几乎设计的各个方面，是本世纪非常重要的一次设计运动。虽然主要的发展国家只是法国、美国和英国，但是这种风格却成为世界流行风格，甚至到远在东方的上海都可以找到“装饰艺术”风格的建筑和室内设计，可见其流行的广度。相比之下，“新艺术”运动虽然也遍及欧美，但是从影响的范围来看，地区性非常强，并且在很大程度上只是设计界的探索，很难成为一个比较统一的流行风格。可见，对“装饰艺术”风格的研究有特别重要的意义。

“装饰艺术”风格之所以如此普及，原因之一是因为它本身的折衷立场为大批量生产提供了可能性。“新艺术”运动没有可能广泛普及，也正因为它的曲线、非几何形态造成了只能手工生产，不能大批量机械生产的状况。20 世纪开始，人们己经注意到，如果希望某种风格能够得到普及，成为流行风格，批量生产的考虑是不能忽视的一个重要因素。

“装饰艺术”运动是装饰运动在20 世纪初的最后一次尝试，它采用手工艺和工业化的双重特点，采取设计上的折衷主义立场，设法把豪华的、奢侈的手工艺制作和代表未来的工业化特征合二为一，产生一种可以发展的新风格来。这场运动与世界的现代主义设计运动几乎是同时发生，也几乎同时于30 年代后期在欧洲大陆结束，因而，在各个方面都受到现代主义的明显影响。但是，由于它主要强调为上层顾客服务的出发点，使得它与现代主义具有完全不同的意识形态立场，也正因为如此，所以“装饰艺术”运动没有能够在第二次世界大战之后再次得到发展，而基本成为史迹，只有现代主义成为真正的世界性设计运动。

“装饰艺术”运动在装饰和设计手法上为我们提供了大量可资参考的重要资料，从材料的运用，到装饰的动机，直到产品的表面处理技术，无论哪一个方面，这个风格都有不少可以借鉴和学习的地方，它的东方和西方结合、人情化与机械化的结合的尝试，更是80 年代的后现代主义时期重要的研究中心。从形式上看，20 、30 年代的这个设计运动的风格与80 年代的后现代主义风格有千丝万缕的联系，从意识形态方面来说，也有类似的地方。因而，对于它的了解和研究，就更具有重要意义了。

意大利旅游攻略

购物篇：

到去意大利购物,十个人可有九个半会兴奋得眉飞色舞,因为意大利每一个大城市都是购物天堂,北从米兰、南至卡他尼亚,你都可以疯狂血拼到把卡刷爆；但这些城市又以佛罗伦萨为天堂中的天堂。因为佛罗伦萨的商品种类多、品牌齐全,不论顶级名品或平价购物都能各取所需；再加上购物区域集中,不须花太多时间、脚力,保证就能满载而归了。

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Via Pecori:Via Pecori是洗礼堂南侧的一条巷子,躲着几家名不见经传的小店；百花大教堂广场旁也有几家店,虽然紧临重要的景点,但并不因此而特别昂贵。

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＊Loft 店面很小,却有很多惊人设计的衣服,喜欢劲爆出色的年轻人一定会爱上这家店的衣服。价格可不便宜,很少有15万里拉以下的衣服,平均在30至40万里拉左右。

＊Desii 虽离百花大教堂很近,但皮衣皮鞋价钱都很实在：皮衣在30万里拉以内,皮鞋也在15万里拉左右。

＊Cipressi 也在教堂广场旁边,从最通俗的纪念T恤到新奇有趣的图样都有,顾客可以各取所需。

圣罗伦佐市场：圣罗伦佐市场(Market San Lorenzo)延伸很广,是露天市场的型态,摊贩卖的多半是皮件(皮衣,皮鞋,皮包,皮带)、纸制的文具纪念品、衣服、首饰等等。其实这里的货品并不粗糙,也不乏精美的衣物,但价格可比店里卖的便宜许多,是很理想的购物地点。市场里的摊贩太多,因此货比三家不吃亏,而且其中当然会有品质不佳或胡乱哄抬价格的情形,所以摊贩也可以以办理退税或使用信用卡。皮件摊位在附近都设有店面,只要你表现出有兴趣的样子,店员马上就会引导你去较大的店面参观更多样式的皮衣。这些摊位都可以杀价,至于能杀多少就得看你的功力了。杀价时他们通常会两个人一组唱双簧似的伺候你,让你觉得这件皮衣真是美丽得无以伦比＋物超所值！这些话不全是骗人的,这里有很多店确实卖得很便宜,可要保持理智睁大眼睛看清楚了！

＊ Daniela"s Gloves市场里10号摊位(Stand 10)所卖的皮手套,式样颜色多价钱又便宜,一双手套自28000里拉起,是市区最便宜的皮手套店。

＊ Andrea Sassi在Via de Cerretani及Via Calzaiuoli上各有一家分店,这家的女装人们价位中等,洋装约20万里拉、丝巾等配件约7万里拉。色系相当柔和,款式简单大方,即使是套装线条也很柔美。

＊Once Jeans

在Borgo SLorenzo街上有两家运动休闲服饰店比邻而居,都是很舒适轻便的年青服饰,价格在12至15万里拉左右。

＊Pacific Trail在Once隔壁,价钱比Once还便宜些。

Via Calzaiuoli:这条街是观光客的必经之路,因为从圣母百花大教堂向南走到市政广场、乌菲兹美术馆一带,Via Calzaiuoli这条行人徒步街是最快也最舒服的路。

＊Expensive 这家名为"昂贵"的让售价算是中等,并不特别昂贵。这家女装的设计性、流行性都较强,色系以米色为主,非常好搭配。

＊Sisley 虽然许多品牌标榜全球同价,但是如果你实际比价就会发现,当地的售价还是比在国内市场买便宜一些。希斯黎的情形和史帝文丽、班尼顿一样,在意大利买绝对比国内市场便宜,而且这里的货和在国内看到的不同,意大利当地的货种类很多(甚至每一家分店也会不尽相同),一定可以买到穿回国后绝无重复的款式。

＊ Furla 这家在国内高不可攀的意大利进口皮件店,在当地属于中高价位。商品和店面一样线条简单利落,皮包或首饰的设计都让人爱不释手。

＊Coin是家小型的百货公司,虽然不像名品店有那么特殊的设计,但因为价位不高、商品老少咸宜,因此很受当地人及观光客喜爱。

＊Stefanel国内已进口多年的史帝文丽,在国内售价不低,但在意大利当地算是中等价位的年轻女装。色彩鲜艳而不俗丽,针织线衫既耐穿又不怕褪流行,是史帝文丽的Best Buy！

＊ton 班尼顿在佛罗伦萨市区有多家分店,每家都有不同类别的商品,这家店卖的是皮包、皮箱、太阳眼镜及雨伞等。

＊ Marx＆Co虽是Max Mara 的副牌,属于较休闲年龄层也较低的服装,但价位还是偏高。但若与国内比较起来当然便宜一些,如再达到退税门槛,那就差价更大了。

＊Bata 这家在欧洲处处可见的鞋店,售价非常平实,所以也别期望有太Fancy的鞋型。如果要买耐穿好搭配又不贵的鞋子,在这里一定大有收获。

＊Guess 这个红透半边天的美国休闲服品牌,在这里的售价依然不便宜,店里的陈设布置也很有名店的气派。

Via Roma:罗马街(Via Roma)与Via Calzaiuoli平行,过了共和国广场后就是Via Calzaiuoli街,这一还较多高档精品店,历史悠久的旅馆Hotel Savoy及精致优雅的甜品咖啡店"Gilli"都在街上。街道宽阔,逛起街来感觉相当舒服！

＊Maska 是意大利上班族女装,风格近似香港品牌"Toppy",剪裁利落清爽服饰多是中性色调,属于中等价位。

＊Amica 是这一还少见的廉价服饰,女装多在10万里拉以下。如果不要太讲究或质料的话,在这里可以购买基本型的衣服,非常经济实惠。

＊ Glenfiel 休闲针织服装的专卖店,颜色都很清爽大方,价位多在6万至14万里拉之间。

＊ Pollini pollini有意大利品牌的男女鞋,鞋型的风格成熟,适合中年人穿着。

＊Bally 虽是瑞士的牌子,但在意大利的店面货品种类多而齐全。

＊ZINI 意大利当地的女装品牌,衣服多带设计性而少有平实的款式。最棒的小礼服的设计,大胆性感又不觉暴露低俗。属于中高价位。

＊Donna Donna是ZINI老板在对街开的店,里面所卖的女装和ZINI走不同的路线。Donna的女装较适合年轻女孩,裤装较多,价位也比ZINI稍低一些。

＊Guya这家精品卖Guya、Paul、Smith、VWestwood及Pinko等品牌的服饰,价格当然不菲,但运气好时也许可以找到一些过季特卖品。

＊Raspini 商品以Prada为主,衣服、皮鞋、皮包等都有。如果Prada迷没时间到郊区的工厂大采购,这里有时也会有折扣商品可捡到便宜。

Via Porta Rossa

＊ La Rinascente 意大利知名的大型百货公司,地下一楼是女性内衣、睡衣、一楼则是贩卖女性香水、化妆品、饰品,二楼、三楼及四楼分别是男装、女装(两个楼层)。最顶层是家庭用品,不但天花板设计为自然采光,商品也新颖有趣。

＊Sasch 风格年轻而狂野的男女装,店面不大,价格虽便宜但衣服质料并不马虎,是年轻人很好的购物选择。

＊ Missoni 设计很稳重,但颜色很热情,Missoni衣服的确是既耐穿又独特。别忘了看看鞋子,也有些好看的款式,不过价位偏高。

住：

依意大利政府观光局ENIT所订,特将各式住宿设施分为5类：

豪华级Categoria di Lusso

一级Prima Categoria

二级Seconda Categoria

三级Terza Categoria

四级Quarta Categoria。

这些分类依旅馆的设备(例如：具有个人用浴室的房间占全部房间的70%,若达不到此标准,无法列入 徘徊的中国旅行社业 把古老的长城留给子孙

主题公园全攻略 聚焦国内知名企业 二级旅馆)分区分标准。但即使旅馆等级相同,价格却未必一样。

旅馆 (Hotel) 与家庭式旅馆 (Pensione)

旅馆 (Hotel) 分为传统的意式旅馆及美式旅馆,意大利语称为"allbergo"。而家庭式旅馆 (Pensione) 则是小规模、通常由家庭经营的旅馆,意大利语称之为"Locanda",费用较旅馆便宜。

较好的旅馆,是指2～3级的Hotel。经济型旅馆则指4级旅馆 (Hotel) 与家庭式旅馆 (Pensione)。一般而言,4级旅馆的单人房约175Euro～225Euro,双人房225Euro～30Euro。每家旅馆依房间的设备(有无卫浴)、环境、地理位置而价格有所差异。当然,乡下的旅馆还比都市便宜。

如果没有特殊要求,在意大利住3级的旅馆,就非常舒适。另外,意大利的家庭式旅馆 (Pensione) 也有等级之分,一般分为P1～P3级。但因由地方的旅游协会AAS自设分级标准,故不若旅馆的分级严格。1级家庭式旅馆和1级旅馆有相同的服务,但设备、价格约相当于2级的旅馆。

青年旅舍 (Youth Hostel)

意大利全国有51所青年旅舍(Youth Hostel,意大利语称 Ostello)。波洛尼亚、佛罗伦萨、热那亚、米兰、罗马等地都有学生专用宿舍(Casa di Studenti)。

有些宗教组织设有女性专用宿舍(Pensionato),以3～4人的团体房为主,有门禁时间,最适合单身女子投宿(可经由当地的旅游服务处介绍)。另外,河川沿岸、山间也备有露营场地

寻找旅馆的方法：

寻找旅馆有3种方法，第一种是完全被动型，在旅游服务处只表明自己的预算一切就委托他们代寻。第二种是中间型，先看过旅游资料，筛选出符合自己所需的旅馆；再—一联络。第三种是主动型，凭着自己的双脚寻找自己喜欢的旅馆。

但大城市要找家旅馆，犹如大海捞针。故最好向旅游服务处索取旅馆名单参考。在罗马减尼斯等车站附近，也有旅馆的捐客，此时需参阅旅馆手册的价目表，才不会吃亏上当。

而在小城镇，只要沿着主要街道而行，一定会看到旅馆的招牌。

找到合适的旅馆之后

确定价钱之后，可拿着钥匙到房间内查看房间是否干净。明亮，有无热水，门把等设施也须—一查看。另外注意是否有噪音，以及各种安全设施、安全门状况等。

此外，确认门后的价目表是否无讹。价目表上洋载早餐费用、服务费。税金等事项，若价格不符合时，须马上提出质疑。早餐除非必要，否则在外享用约只需一半价钱。

寻找便宜又舒适的旅馆

寻找便宜又舒适的旅馆有几项要件：

①把寻找旅馆当成是旅游的乐趣之一，并怀着广结善缘的心，就不会为住的问题而愁眉苦脸。

②新到某一个城镇，最好早一点抵达，以便有充裕的时间寻找合适的旅馆。越晚抵达，在时间不利的情况下，可供选择的机会就越少。尤其冬天避免在下午3点以后、夏天在下午5点以后，才抵达新的目的地。

③行李重的话，也会造成寻找旅馆时的负担。最好先将行车寄放在火车站的行李托管处，如此才能专心地寻找住宿地方。

④不要拘泥于浴室形式，意大利的高级旅馆都附有卫浴设备，有些旅馆房间虽无卫浴，但也有公共的卫俗设备(大多需付费)，均相当干净方便。

意大利的住宿设施

意大利的住宿设施有很多种，像威尼斯的 Gritti Palace，是典型传统式的旅馆。而公寓式的旅馆，最适合金钱有限的自助旅游者。

行：

在意大利一般的地方是可以乘坐出租车，但这个是要打电话预定的，或者是坐船都可以在意大利里比较出名的交通工具。

玩：

科洛塞竞技场(Piazza del Colosseo)

这座巨大的露天剧场叫做弗拉维奥剧场，因为它是由弗拉维奥家族的几位皇帝建造的。通常，人们称之为科洛塞。这是建造在一片凹地上的宏伟建筑。尼禄时代，这一凹地是尼禄金殿花园里的一个人工湖。竞技场的工程由维斯帕西亚诺皇帝於公元72年～75年开工兴建，由蒂托皇帝於公元80年完工。传统说法是，建造这座建筑物使用了四万奴隶，这是蒂托皇帝在摧毁耶路撒冷后於公元70年带回罗马的10万俘虏中的一部分。可以容纳至少5万名观众的竞技场主要用途是斗兽和角斗士角斗。这些活动形式多样，装备精良，比其它任何活动更能激起特别喜爱残忍场面的广大观众的激情和疯狂。在众多的表演中，首先值得回忆的是庆祝竞技场竣工的表演，庆祝活动延续了1百天，杀死5千头猛兽，有上百名角斗士丧生。图拉真在位期间，总共杀死1万1千头猛兽，有1万名角斗士在此角斗。在普罗博在位期间，仅在一次斗兽时就同时放入场内1百头幼狮，其吼声震动了整个竞技场。然而，更多的则是角斗士的角斗。人们对这种残忍的角斗如此着迷真难以令人相信，特别是妇女们竟然也对此极为着迷。在这种残忍的角斗中，只有胜够一定次数的角斗士才能获得自由。直到公元608年，竞技场一直用於角斗和斗兽，中世纪时改成一个城堡。此后部分被毁，成了挖取建筑材料用以建造教堂和宫殿的场地。这样破坏一直持续了好几个世纪，到了19世纪才被制止，那时，几届教皇开始对之进行修复，那些补砌的砖就是历次修复的明证。

这座雄伟的建筑堪称建筑的楷模。像所有罗马的建筑一样，其基本结构是拱券结构，一系列的拱、券和恰当安排的椭圆形建筑构件使整座建筑极为坚固。

天使的圣玛丽亚教堂(Basilica di Santa Maria degli Angeli)

景点地址: Via Cernaia 9

如何到达: 公共汽车：4、16、36、38、60、61、62、64、75、195、492号，「REPUBLICA」下车

开放时间: 8：00—12：30、16：00—18：30

[景点概况]:

天使的圣玛丽亚教堂(Basilica di Santa Maria degliAngeli)是1563年米开朗基罗利用迪奥克来齐亚诺浴场温水大厅废墟改建的，而到了十八世纪再由凡维特尔(LuigiVanvitelli)改变为现在的模样。入口彷万神殿，天井高91公尺，是当时建筑上的极限。

既有世上独一无二的温柔，又不乏历史上地中海最强的高雅风景，东西方的桥梁。这座建于公元5世纪的世界著名城市位于意大利东北部，离大陆约4公里，座落在威尼斯湖约118个大大小小的岛屿上。150多条运河和400座桥梁纵横交错，把这118个岛屿联成一个城市整体。威尼斯无可比拟的独特外貌和丰富的艺术宝藏，使它成为世界上最具有吸引力的旅游城市。威尼斯的美离不开碧绿碧绿的水和摇摇晃晃的小船，更离不开富丽堂皇的古典建筑物。站在圣马可广场向四周眺望，纵横的街道在这里化身成蜿蜒的运河；在普通城市街上通行无阻的车辆，在这里变成了小船。这里的每一条小水道、小街、小教堂和小广场都是风景，也记录着水城灿烂的文化和历史。

佛罗伦萨：

背负着文艺复兴的硕果，是著名的文化古城和艺术天堂，一个吸引大量国际游客的旅游城市。作为欧洲文艺复兴时期的文化中心，佛罗伦萨给现代人留下了数不胜数的重要历史建筑和历史珍品。米开朗基罗广场、维其奥古桥和附近的比萨斜塔等均是最重要的浏览景点。

1、学院美术馆(Galleria dell\'Accademia)：藏有米开朗基罗的“大卫像”、四座未完成的“奴隶像”、第二座“圣母哀子像”和其它佛罗伦斯艺术家的作品。对街有家不错的书店和海报点，可顺道一访。

2、百花大教堂(The Duomo)：百花大教堂是佛罗伦斯的地标，外观以粉红色、绿色和奶油白三色的大理石砌成，展现着女性优雅高贵的气质，故又称为“花的圣母寺”(Santa Maria del Fiore)。

百花大教堂是1296年由Arnorfo di Cambio负责建造的，中央巨大圆顶是由名建筑家布鲁内勒斯基(Brunelleschi)所建造的第一座文艺复兴式圆顶，共花了十四年的时间才完成，是文艺复兴圆顶建筑的楷模。米开朗基罗在计画设计圣彼得大教堂的圆顶时曾说过：“我可以盖个比翡冷翠教堂圆顶更大的圆顶，但绝无法及上它的美。”

若想登上大教堂的屋顶，可从期右侧内的礼拜堂左边走廊进入，登上463级的阶梯。教堂正面经两次改建，教堂后博物馆里(Museo del\'Opera del Duomo)收藏了许多伟大的艺术品。

3、乔托钟塔(Campanile di Giotto)：百花大教堂旁边的82公尺高塔，由建筑家乔托于1334年开始建造，外观是一个四角形的柱状塔楼，把粉红、浓绿和奶油三种颜色，以几何学的配色方式调合，和旁边的百花教堂十分和谐，底部还有精致的浮雕，内部有楼梯可达顶部，共有290阶。

4、 圣乔凡尼礼拜堂(Battistero di San Giovanni)：面对百花大教堂的八角形教堂，建于5世纪～8世纪间，是托斯坎尼地区罗马式建筑的代表。

礼拜堂最具观光价值的就是三面青铜门浮雕：入口处南侧的青铜门是由安德烈．比萨诺于1330年制作的，28张图样是关于约翰传教的故事；东侧礼拜门是由吉尔伯提(Ghiberti)自1425年起花27年时间所制作，十张图样描述亚当和夏娃及旧约圣经的题材，被米开朗基罗誉为“通往天堂之门”；北侧青铜门也是吉尔伯提的作品，由28张图样组成，主题是表现基督的生涯及其12门徒的事迹。

5、乌菲兹美术馆(Uffizi Gallery)：这是意大利文艺复兴的艺术殿堂，珍藏达文西乔托(Giotto)、拉斐尔、提香(Titian)、鲁本斯(Rubens)、卡拉瓦乔(Caravaggio)、米开朗基罗、和波提且利(Botticellis)等人的杰作。重要作品有波提且利的“维纳斯的诞生”“春”；达文西的“三博士的朝拜”；拉斐尔的“金翅雀的圣母”和米开朗基罗的“圣家族”等名作。

6、国立巴吉洛美术馆(Museo Nazionale Bargello)：佛罗伦斯最伟大的雕像美术馆，收藏14到17世纪托斯坎尼地区雕刻作品而闻名。这里收藏有多纳太罗的“大卫像”－中世纪以来第一座男性裸体雕像；以及米开朗基罗年轻时的作品“未完成的达彼得像”“酒神像”等。

7、米开朗基罗广场(Piazzale Michelangelo)：广场位于亚诺河对岸，是眺望佛罗伦斯的最佳据点，广场中央有米开朗基罗的大卫雕像的复制品，而位于它后面的就是美得令人怦然心动的浪漫主义教堂San Miniato。

8、维琪奥王宫(Palazzo Vecchio)：这座防御完整的宫殿内部曾是麦迪奇(Medici)家族的住所，米开朗基罗的“大卫像”从1873年来一直守候在门口左侧，不过现在所见是仿作。二楼大厅堂是共和国政府的大会议场，两侧的壁上有米开朗基罗的名作“胜利”。王宫前是佛罗伦斯最热闹的西纽利亚广场(Plazza dellaSignoria)，“祖国之父”柯西摩．麦迪奇的骑马雕像睥睨全场。邻近王宫的集会所(Loggia deiLanzi)有许多古代及文艺复兴式样的大理石人物雕像。

9、(Ponte Vecchio)：建于1345年，为翡冷翠最古老的桥梁。Vecchio这个字是古老的意思。维琪奥桥上有二层楼的建筑，以前是乌菲兹宫通往隔岸碧提王宫的走廊。桥上两边都是特产品的专卖店，商店的背后伸展到河上，特产店以贩卖宝石和贵重金属为主。

交通：

意大利的铁路还算发达、方便，几大城市的火车站建筑风格基本统一，都是开放式车站大厅，如果用信用卡在车站的自动售票机上购票，选择英文界面的话还是相当方便的，在佛罗伦萨还有专门收现金的自动售票机，免去了信用卡结汇的手续费。其火车车况类似于中国的动车，不过似乎更宽敞点。

罗马---佛罗伦萨 2等票 42欧/人

佛罗伦萨---威尼斯 2等票 37欧/人

意大利的火车票在使用前要在站台的**打票机上打上时间，不然上车被查到要罚。尤其是那些没有具体车次，随机可上的车一定要事先打票。在意大利坐公交车也要在车上的**打票机上打时间。

罗马的地铁票和上海的票比较类似，因为使用的是ROMA PASS，所以不知道它那个地铁票是不是一次性的，至少公交车票是一次性的。

希望对你有帮助，祝你去意大利旅游愉快！

“装饰艺术”运动（Art Deco）是在20 世纪20 到30 年代在法国、美国和英国等国家开展的一次风格非常特殊的设计运动。因为这场运动与欧洲的现代主义运动几乎同时发生与发展，因此，“装饰艺术”运动受到现代主义运动很大的影响，无论从材料的使用上，还是从设计的形式上，都可以明显看到这种影响的痕迹。但是，从思想发展的背景来看，从意识形态的角度来看，现代主义运动的民主色彩、社会主义背景，都从来没有在“装饰艺术”运动中发生过。“装饰艺术”，特别是法国的“装饰艺术”运动，在很大程度上依然是传统的设计运动，虽然在造型上、在色彩上、在装饰动机上有新的、现代的内容，但是它的服务对象依然是社会的上层，是少数的资产阶级权贵，这与强调设计民主化、强调设计的社会效应的现代主义立场是大相径庭的。因此，虽然这两场运动几乎同时发生，互相也有影响，特别是现代主义对于“装饰艺术”运动在形式上和材料上的影响，但是，它们属于两个不同的范畴，有各自的发展规律。

20 世纪初，一批艺术家和设计师敏感地了解到新时代的必然性，他们不再回避机械形式，也不回避新的材料（比如钢铁、玻璃等等）。他们认为，英国的“工艺美术”运动和产生于法国，影响到西方各国的“新艺术”运动有一个致命缺陷，就是对于现代化和工业化形式的断然否定态度。时代已经不同了，现代化和工业化形式已经无可阻挡，与其回避它，还不如适应它。而采用大量的新的装饰动机使机械形式及现代特征变得更加自然和华贵，可以作为一条新的探索途径。这种认识，普遍存在于法国、美国、英国的一些设计家之间，特别是20 年代西方的普遍繁荣，美国更是高速发展，造成新的市场，为新的设计和艺术风格提供了生存和发展的机会。这一历史条件，促使新的试验的产生，其结果便是20 世纪初的另外一场重要的设计运动―“装饰艺术”运动。

“装饰艺术”运动的名称出自1925 年在巴黎举办的一个大型展览：“装饰艺术”展览（The exposition des Arts Decoratifs）。这个展览旨在展示一种“新艺术”运动之后的建筑与装饰风格。该展览的名称，后常被用来特指一种特别的设计风格和一个特定的设计发展阶段。但是，“装饰艺术”这一术语，实际所指的并不仅是一种单纯的设计风格。和“新艺术”运动一样，它包括的范围相当广泛，从20 年代的色彩鲜艳的所谓爵士图案（Jass Patterns) ，到30 年代的流线型设计式样，从简单的英国化妆品包装到美国纽约洛克菲勒中心大厦的建筑，都可以说是属于这场运动的。它们之间虽有共性，但是个性更加强烈。因此，把“装饰艺术”单纯看作一种统一的设计风格是不恰当的。

从思想和意识形态方面来看，“装饰艺术”运动是对矫饰的“新艺术”运动的一种反动。“新艺术”强调中世纪的、哥德式的、自然风格的装饰，强调手工艺的美，否定机械化时代特征；而“装饰艺术”运动恰恰是要反对古典主义的、自然（特别是有机形态）的、单纯手工艺的趋向，主张机械化的美。因而，“装饰艺术”风格具有更加积极的时代意义。另一方面，“装饰艺术”运动开展的时期，正是现代主义开展的时期，因此，无论这场运动多么强调装饰的效果-装饰正是现代主义反对的主要设计内容之一-但是，在设计上依然受到现代主义的很大影响。无论是在材料的运用上，还是设计主题的选择上，乃至于设计本身的特点上，这两种设计运动都有不少的内在关联。以往常常把“装饰艺术”视为与现代主义对立的设计运动来看，但现在的研究表明，它们之间有着千丝万缕的联系，特别是美国的工业设计与“装饰艺术”运动，有时简直难以截然划分开来。比如美国设计家雷蒙·罗维( Raymond Loewy) 1937 年为纽约世界博览会设计的“工业设计师办、公室”，就很难说是单纯的现代主义，还是“装饰艺术”风格；法国现代主义大师勒·科布西耶（Le corbusier）在20 世纪20 年代中期设计的家具，也是两种风格兼有。这都表明：“装饰艺术”与“现代主义”之间并不完全是矛盾的关系，在形式特征上，它们有着密切而复杂的关联。

至于两者的区别，主要在于它们的产生动机和它们所代表的意识形态上。“装饰艺术”禀承了以法国为中心的欧美国家长期以来的设计传统立场：为富裕的上层阶级服务，因此它仍然是为权贵的设计，其对象是资产阶级；“现代主义”运动则强调设计为大众服务，特别是为低收入的无产阶级服务，因此它是左倾的、小知识分子理想主义的、乌托邦式的。

西方有些设计理论家把“装饰艺术”运动称为“流行的现代主义”，或者“大众化的现代主义”，原因是因为它的风格在某些方面被用来设计大众化的流行的产品，比如批量化生产的钢管家具、汽车和摩天大楼等等。这种称谓很容易造成误解，因为“装饰艺术”风格的主要服务对象依然是社会中的权贵，而并不是大众。

20 世纪60 年代以来，开始有越来越多的设计理论家把“装饰艺术”运动视为英国“工艺美术”运动和欧美的“新艺术”运动的延伸与发展。从装饰动机来看，或者从它强调的服务方向来看，这种观点当然无可厚非。但复杂性在于，这场运动主要的发展时期是第一次世界大战和第二次世界大战之间，而这也正是现代主义运动发展的主要阶段，因此，往往有混淆的情况。从名称上看，也有一定的混淆，比如在法国有人称这场运动和设计风格为“现代主义”( moderne ) ，也有人因为影响到这个风格的因素之一是美国的爵士音乐和表演，而把它称为爵士现代主义。但是，如果从意识形态的立场来看，“装饰艺术”运动强调为权贵服务的立场和现代主义运动强调为大众服务的社会主义立场之间依然是径渭分明的。

“装饰艺术”运动风格在形式上是受到以下几个非常特别的因素影响而形成：

l ）埃及等古代装饰风格的实用性借鉴

英国产生的“工艺美术”运动和源起法国的“新艺术”运动都从中世纪风格、特别是哥德风格，以及日本装饰和自然风格当中寻找形式借鉴的营养，而“装饰艺术”则从古代埃及华贵的装饰特征中寻找借鉴。以前的两个设计运动，都以有机的、平面的、和谐的色彩为中心，基本否定单纯的几何形式和所谓的机械色彩-黑白色系列。1922 年，英国考古学家豪瓦特·卡特在埃及发现一个完全没有被扰乱过的古代帝王墓-图吞哈蒙（Tutankhamun）墓，大量的出土文物展示出一个绚丽的古典艺术世界，震动了欧洲的新进设计师们。那些3 ,300 年前的古物，特别是图坦卡蒙的金面具，具有简单的几何图形，使用金属色系列和黑白色彩系列，却达到高度装饰的效果，这给予设计师们强而有力的启示。古埃及时代非常普遍的建筑装饰图案，比如盛开的纸草形式的柱头（公元前1250 年卢索宫的柱子设计）、纸草和莲花交织组成的柱头（公元前106 年菲拉克岛皇室建筑），都是简单明快的从自然抽象出来的几何图案加以变形处理，相当壮观。这些设计动机是自日本风格传入欧洲以来的又一次重要的外来影响。

2 ）原始艺术的影响

20 世纪初以来，原始艺术的影响，特别是来自非洲和南美洲的原始部落艺术对于欧洲前卫艺术界的影响是非常大的。毕加索的《亚维农的少女》 就受到非洲原始艺术的影响；挪威艺术家爱德华·蒙克则在很大程度受到南美洲的原始部落文化影响。这种影响，同样在设计界得到深刻的反映。非洲部落舞蹈面具的象征性和夸张特点，非洲雕塑特别是木雕的明快简练，给了西方的艺术家和设计师们很大的启发。

3 ）简单的几何外型

自19 世纪中期的“工艺美术”运动以来，大部分的设计探索都是从有机的自然形态中找寻装饰的动机。因此，与大工业生产联系比较密切、具有强烈时代特征的简单几何外型自然就成为20 世纪20 年代设计家们热衷研究的中心。这些几何动机，究其来源依然是古典埃及、中美洲和南美洲的古代印第安人文化（比如玛雅、阿兹台克、印加文化），常用的几何图案包括有阳光放射型（sunbursis）、闪电型（lightning zuggyrates）、曲折型、重叠箭头型（chevrons）、星星闪烁型（starbursts）、阿兹台克放射型（Aztec-shape Plinths）、埃及金字塔型等等。

4 ）舞台艺术的影响

20 世纪初期，舞蹈，特别是芭蕾舞开始出现了与传统决裂的重大改革。这种改革，在芭蕾舞重要的中心之一的俄国己经有所发展。改革的内容体现在音乐、舞蹈编导、舞台设计、服装设计等等各个方面，俄国芭蕾舞团出国演出，也就把这种改革的影响带到外国。对于西方国家来说，影响主要是20 世纪初期来自俄国芭蕾舞团（Ballets Russes）的影响。俄国芭蕾舞的改革当时并不完善，由于这个芭蕾舞团来到巴黎以后，受到西方现代艺术大改革的气氛的影响，加速了变革，而这个变革又反应回设计上，导致新的设计风格的出现。这个俄国的芭蕾舞团在其领袖迪亚基列夫的领导下，于1902 年前后来到巴黎演出，并且从此定巴黎为基地。1909年该团演出了一系列非常前卫的芭蕾舞剧，包括斯特拉文斯基的《火鸟》、《春之祭》、《彼德罗什卡》，还有《蛇舞》（La nanse du Serpent）等。这些芭蕾舞的舞台设计和服装设计都非常前卫，大量采用金属色彩和强烈的色彩计划。比如由吉色尔编导的《蛇舞》，舞台服装是由这个芭蕾舞团的服装设计师设计的，服饰紧凑贴身，古铜色，效果非常强烈。俄国芭蕾舞团的总设计师是列昂·巴克斯特（Leon Bakst) ，他的设计不但影响到各国设计师，并且导致了法国时装设计的开始：法国第一位时装设计师保罗·布瓦列特的设计就是从他的舞台设计和服装设计中得到灵感的，布瓦列特成为法国1915 年到1925 年时装设计最重要的人物。事实上，法国时装设计，特别是布瓦列特设计的个性特征，对于“装饰艺术”运动也产生了非常强烈的影响。

另外一种造成影响的舞台艺术风格是美国的爵士乐。20 年代和30 年代是美国黑人爵士音乐的高峰期，这种强烈的、节奏鲜明而特殊的美国民间音乐和它的表演方式，对于设计家来说是极为新鲜和富于感染力的。因此，它的节奏与特殊的韵律感，它的强烈的色彩，都通过设计得到一定的体现。

5 ）汽车的影响

1898 年前后，汽车被发明出来，很快成为重要的交通工具。20 世纪初期，汽车被不少前卫人士视为未来的象征，速度感即是时代感。特别是第一次世界大战之后，对干汽车的热爱在设计师当中非常流行。不少20 到30 年代的海报、广告都采用汽车大赛作为主题，色彩鲜艳，构图明快，有强烈的时代感。汽车作为20 世纪文明的新象征，启发了“装饰艺术”运动的设计师们大胆地采用现代工业文明的成果，作为自己的设计动机，在形式上和思想上都具有相当重要的启迪作用。

6 ）形成自己独特的色彩系列

“装饰艺术”具有鲜明强烈的色彩特征，与讲究典雅的以往各种设计风格的色彩计划大相径庭。在前述各种因素影响之下，形成了自己独特的色彩计划，特别重视强烈的原色和金属色彩，其中包括鲜红（brilliant reds）、鲜黄、鲜蓝( Lighting blue）、桔红和金属色系列（包括古铜、金、银等色彩）。

“装饰艺术”运动是一场国际性设计运动，不少欧美国家都卷入其中，尤以法国、英国和美国的设计成果较具代表性。它同时还影响到许多欧洲国家，从大约1910 年前后开始，一直发展到1935 年前后为止，是20 世纪延续时间比较长的一个设计运动。

"装饰艺术"运动是一场承上启下的运动，它既对"工艺美术"运动、"新艺术"运动的自然装饰、中世纪复古表示反对，而对于单调的工业化风格也加以批评。因此，虽然在装饰趋向上与前两个运动有相似之处，但是从承认工业化的角度来看，已很难说是它们的延续了；又由于强调装饰化，因此与同期开始在德国发起的现代主义也具有很大的区别。它是"新艺术"运动和现代主义运动之间的一场衔接，双方的特征都兼而有之，但却不是简单的重复或再现。"装饰艺术"的装饰特点，在20 世纪80 年代得到重新认识，并在后现代主义风格中再次受到重视。

"装饰艺术"运动发起于法国巴黎，主要集中在豪华和奢侈的产品与艺术品设计上，比如家具、纺织品、金属制品、玻璃器皿、陶瓷、装饰雕塑、绘画、平面设计与海报、首饰设计等等。

而当这种风格传入美国后，却比较多地应用在建筑设计、室内设计等规模比较宏大的公众性质的项目上。从纽约开始，逐步波及中西部和西海岸地区，对20 和30 年代的美国设计产生了巨大的影响，涵盖了汽车设计、工业产品设计、平面设计、舞台设计、**设计等各个设计领域。

"装饰艺术"运动在欧洲其它国家的发展则比较微弱，并且也没有能够产生它在法国和美国那样全面的影响力。由于"装饰艺术"风格因国而异，因此，必须对各个国家的运动发展状况和风格分布进行介绍，才能对它有一个总体的认识。下面就对卷入过这场设计运动的各国进行具体阐述。

小结

“装饰艺术”运动在20 世纪20 年代兴起，到30 年代成为一个国际性的流行设计风格，影响到建筑设计、室内设计、家具设计、工业产品设计、平面设计、纺织品设计和服装设计等等几乎设计的各个方面，是本世纪非常重要的一次设计运动。虽然主要的发展国家只是法国、美国和英国，但是这种风格却成为世界流行风格，甚至到远在东方的上海都可以找到“装饰艺术”风格的建筑和室内设计，可见其流行的广度。相比之下，“新艺术”运动虽然也遍及欧美，但是从影响的范围来看，地区性非常强，并且在很大程度上只是设计界的探索，很难成为一个比较统一的流行风格。可见，对“装饰艺术”风格的研究有特别重要的意义。

“装饰艺术”风格之所以如此普及，原因之一是因为它本身的折衷立场为大批量生产提供了可能性。“新艺术”运动没有可能广泛普及，也正因为它的曲线、非几何形态造成了只能手工生产，不能大批量机械生产的状况。20 世纪开始，人们己经注意到，如果希望某种风格能够得到普及，成为流行风格，批量生产的考虑是不能忽视的一个重要因素。

“装饰艺术”运动是装饰运动在20 世纪初的最后一次尝试，它采用手工艺和工业化的双重特点，采取设计上的折衷主义立场，设法把豪华的、奢侈的手工艺制作和代表未来的工业化特征合二为一，产生一种可以发展的新风格来。这场运动与世界的现代主义设计运动几乎是同时发生，也几乎同时于30 年代后期在欧洲大陆结束，因而，在各个方面都受到现代主义的明显影响。但是，由于它主要强调为上层顾客服务的出发点，使得它与现代主义具有完全不同的意识形态立场，也正因为如此，所以“装饰艺术”运动没有能够在第二次世界大战之后再次得到发展，而基本成为史迹，只有现代主义成为真正的世界性设计运动。

“装饰艺术”运动在装饰和设计手法上为我们提供了大量可资参考的重要资料，从材料的运用，到装饰的动机，直到产品的表面处理技术，无论哪一个方面，这个风格都有不少可以借鉴和学习的地方，它的东方和西方结合、人情化与机械化的结合的尝试，更是80 年代的后现代主义时期重要的研究中心。从形式上看，20 、30 年代的这个设计运动的风格与80 年代的后现代主义风格有千丝万缕的联系，从意识形态方面来说，也有类似的地方。因而，对于它的了解和研究，就更具有重要意义了。

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